Figlio di un maestro elementare, trascorse l’infanzia in povertà; studiò musica a Brno, continuando poi a Praga  (1874), e poi a Lipsia e Vienna (sino al 1880).

Tornato a Brno, lavorò assiduamente come compositore, didatta, direttore di coro e d’orchestra; si dedicò intensamente anche alla ricerca del canto etnico, e alla ricerca psicologica e fisiologico-acustica.

Nel 1887 compose “Sarka”, un’opera che risente ancora degli influssi di Smetana e Dvorak; proseguì poi il suo lavoro di compositore percorrendo un cammino più personale.

Con l’opera “Janufa” del 1904, Janacek raggiunse il suo linguaggio definitivo,  quello con la caratteristica chiarezza ritmica e l’elemento del “parlato” assimilato a quello squisitamente lirico, con funzioni altamente espressive.

Nelle sue successive opere teatrali, emergono gli elementi morali – che caratterizzeranno sempre l’opera di Janácek -, ma anche gli aspetti ironici e soprattutto di critica verso la società borghese, attraverso espressioni musicali sempre fresche e chiare, a volte intrise di un latente senso di angoscia.

Tra i lavori suoi più maturi e importanti, ricordiamo “Viaggio del signor Broucek sulla Luna”, “Kala Kabanova”, “Diario di uno scomparso” (una stupenda raccolta di liriche), “Da una casa di morti” (da un’idea di Dostoevskij) ecc.

Notevole anche la sua produzione sinfonica e cameristica, caratterizzata da un linguaggio ormai pienamente e consapevolmente novecentesco.

Il compositore argentino Kagel si può considerare un autodidatta; dopo esser stato Direttore del Colon di Buenos Aires, nel 1956 si trasferì in Germania, per lavorare a Colonia; insegnò ai Corsi di Darmstadt e svolse attività di direttore d’orchestra.

Partendo dapprima dalla lezione di Webern, e sviluppando poi un sua ricerca personale (forse sullo stampo iniziale di uno Stockhausen, ma con successive scelte assai differenti), Kagel ha sempre ricercato inesplorate forme di linguaggio musicale, uscendo talvolta anche dagli schemi tipici del linguaggio novecentista. Per esempio, un aspetto essenziale della sua poetica consiste nell’insistente concessione alla componente gestuale, o l’uso di strumenti non proprio ortodossi nell’ambito squisitamente musicale: nell’opera di Kagel si può ben parlare di surrealismo o di neodadaismo.

Tra i suoi lavori più noti, si ricordano “Anagrama” (1958) per voci e strumenti, “Transicion” del 1959, per pianoforte, percussioni e due nastri magnetici, “Hètèrophonie” del 1961 per orchestra; e molti altri lavori per coro, per strumenti elettronici o complessi sinfonici.

Nasce nel 1923 a Dicsöszentmárton (oggi Tarnaveni, Romania) il 28 maggio, da genitori ebrei ungheresi. Negli anni1941-43 studia al Conservatorio di Kolozsvár (Cluj-Napoca). Patisce in prima persona la tragedia della guerra: costretto ai lavori forzati dal partito nazista; i suoi genitori, suo fratello e altri parenti sono deportati ad Auschwitz (solo sua madre si salverà). Dal 1945 al ‘49 studia all’Accademia Liszt di Budapest con Sándor Veress, fra gli altri.

Nel ’56 è tra i protagonisti dei fatti di Ungheria, poi subisce la successiva repressione. Con la moglie Vera passa il confine austriaco di notte e a piedi, portando con sé solo una cartella di composizioni.

Nell’anno 1957-58 è allo studio di musica elettronica di Colonia, dove viene a contatto con la musica di Stockhausen, Kagel, Boulez. Dopo Apparitions (1959), che lo porta all’attenzione della critica, inizia la stagione dei capolavori degli anni Sessanta: Atmosphere (1961), Requiem (1963-65), Lux Aeterna per 16 voci soliste (1966) e in Lontano per orchestra (1967). S’impone con uno stile particolarissimo, costituito dalla presenza di fasce di suono omogenee “brulicanti” al loro interno.

Nel 1968, con l’uscita del film 2001 Odissea nello spazio di Kubrick (la cui colonna sonora utilizza brani da Atmosphere, Requiem e Lux Aeterna), conquista una grande popolarità. Anche con il Kammerkonzert per 13 strumentisti, uno dei suoi lavori più noti per la sua curva emotiva chiara e appassionante, conquista ampie platee. Nel 1973, dopo varie attività di insegnamento, gli viene assegnata la cattedra di composizione alla Musikhochschule di Amburgo, che terrà fino al 1989.

Dopo Le Grand Macabre (1977), comincia una riflessione sul passato musicale, in forma anche di citazioni stilistiche, con un’attenzione rinnovata all’aspetto ritmico e figurale, che lascerà il segno soprattutto nel Trio per corno, violino e pianoforte e nel Concerto per violino. Dalla micropolifonia sfuggente, immersa in masse omogenee, si passa a una polifonia esplicita, che costruisce strutture brillanti e spesso “luminose”, per usare un termine ligetiano.

Intorno al 1985, con il primo libro di Studi per pianoforte, va precisandosi l’ultimo stile, con una marcata influenza del gamelan e della poliritmia africana. Proprio gli Studi diventano un fenomeno discografico e conquistano il repertorio di numerosissimi pianisti. Seguono il Concerto per pianoforte (1985-88), il Secondo libro di Studi per pianoforte (1988-1994). il Concerto per violino (1992), il Terzo libro di Studi per pianoforte (1995).

Una seconda versione de Le Grand Macabre viene data a Salisburgo nel 1997 e ripresa a Parigi al Théâtre du Châtelet nella stagione successiva. Nel 2004 esce in Italia il libro-intervista di Eckhard Roelcke e György Ligeti Lei sogna a colori?, in cui ripercorre la sua vicenda biografica e artistica. Muore il 12 giugno 2006, dopo una lunga malattia.

Andrea Estero

Dopo essere stato allievo di Gian Francesco Malipiero dal 1941 al 1946, Nono prosegue gli studi musicali sotto la guida di Bruno Maderna, ma anche di Hermann Scherchen e Hans Rosbaud. Contemporaneamente segue gli studi umanistici laureandosi in giurisprudenza presso l'università di Padova.

Nella sua ricca formazione culturale si vanno così delineando due aspetti fondamentali della sua personalità artistica: l'impulso costante e prepotente verso il nuovo e il culto appassionato dell'antica tradizione della musica polifonica fiamminga e rinascimentale. Nono inaugura la sua carriera di compositore nel 1950 con le "Variazioni canoniche sopra una serie di Schönberg" per orchestra da camera.

L'anno seguente è la volta di "Polifonica - Monodia - Ritmica" per 6 strumenti e percussioni. Ma il primo grande componimento che afferma le vocazioni espressive di Nono è il cosiddetto "Trittico lorchiano", composto tra il 1951 e il 1953. Partendo dai versi di Garcia Lorca, Nono crea un grandioso e commovente monumento composto da "Espana en el corazon" per soprano, baritono, coro misto e strumenti, "Y su sangre ya viene cantando" per flauto e piccola orchestra e "Memento, Romance de la guardia civil espanola" per voce recitante, coro parlato e orchestra. Dalla passione per Lorca il compositore passa rapidamente a quella per i temi civili e politici, senza tralasciare uno straordinario lirismo.

Nel 1954 nascono così contemporaneamente la rabbiosa e viscerale "Victoire de Guernica" per coro misto e orchestra su testi di Paul Eluard e il delicato "Liebeslied" per coro misto e orchestra. L'anno seguente il compositore si sposa con Nuria Schönberg e crea gli "Incontri" per 24 strumenti; seguono poi "Il canto sospeso" (1955-1956), "La terra e la compagna" (1957) e i "Cori di Didone" (1958). Nel 1959, con la conferenza "Presenza storica della musica di oggi" tenuta a Darmstadt, Nono conferma definitivamente il suo distacco dalla Nuova Musica, il suo sempre più intenso interesse per la musica elettronica e accentua il suo impegno politico, come dimostrano "Diario polacco '58" e l'opera del 1960 "Intolleranza".

Si concentra allora sull'applicazione delle tecnologie elettroniche, manifestando l'esigenza di coniugare impegno politico e ricerca linguistica. Nascono così componimenti come "La fabbrica illuminata" del 1964, "Ricorda cosa ti hanno fatto in Auschwitz" del 1966, "Per Bastiana Tai-Yang Cheng" del 1967 e "Non consumiamo Marx" del 1969.

Nel 1971 è la volta di "Como una ola de fuerza y luz" che, proseguendo il tema dell'impegno ideologico, lo avvolge di commosso lirismo. Una grande sintesi di linguaggi arriva nel 1978 con "Al gran sole carico d'amore", con l'allestimento scenico di Jurij Ljubimov.

Con il quartetto d'archi "Fragmente-Stille, An Diotima" del 1980, Nono si muove verso una maggiore interiorizzazione e una più decisa problematicità. Le apparecchiature elettroacustiche che agiscono in tempo reale caratterizzano "Diario polacco n. 2" del 1982, "Guai ai gelidi mostri" del 1983 e "Omaggio a Kurtag" del 1983; tutte queste esperienze confluiscono nel 1984 nell'opera "Prometeo" (sottotitolo "Tragedia dell'ascolto"), rappresentata nella Chiesa di San Lorenzo a Venezia all'interno della Biennale con una suggestiva installazione a forma di arca dell'architetto Renzo Piano.

Compositore e didatta tedesco: terminati gli studi liceali si iscrive all'Accademia musicale di Monaco nel 1913, dove studia sotto la guida di Beer-Walbrunn, avendo già al suo attivo diverse composizioni.

Carl Orff dal 1915 al 1917 dirige i Muenchner Kammerspiele di Monaco, poi è a Mannheim e Darmstadt. Rientrato nella città natale, svolge un'intensa attività come insegnante e completa la preparazione musicale con Kaminski. Dedicatosi inizialmente al genere teatrale si rivolge con interesse allo studio della musica antica e di Monteverdi.

Con la moglie Dorothée, nel 1924, fonda a Monaco la Guentherschule, in cui si effettuano corsi di educazione collettiva di ginnastica ritmica, musica e danza. Nell'ambito di questa esperienza, ha modo di usare le tecniche musicali che saranno alla base della sua orchestra di strumenti a percussione: bicchieri, campane, xilofoni ecc.

Le idee di Orff, raccolte durante questo lavoro, sono poi diventate un metodo con la pubblicazione intitolata "Das Schulwerk". Dal 1930 al 1933 dirige il Bachverein di Monaco, mentre dal 1950 tiene la cattedra di composizione presso la Hochschule fuer Musik della stessa città, interrompendo un periodo totalmente dedicato all'attività creativa.

La produzione musicale di Orff, dopo un primo periodo ispirato a certi schemi schönberghiani, è interamente composta da teorie e tecniche del tutto nuove e personali. La sua musica, benché non indifferente a certi caratteri delle correnti contemporanee neoclassiche, è resa originale dall'utilizzo sapiente e insistente delle percussioni, che rendono le sue composizioni esasperatamente ritmiche e ricche di colori esotici.

Di notevole interesse è il trittico intitolato "Trionfi" composto dalle opere-cantate e l’opera-balletto in un atto "Carmina Burana" (1937), su testi di canzoni profane medievali. Seguono poi "Catulli Carmina" (1943), "Ludi scaenici", su testi dai carmi del poeta latino, con le stesse caratteristiche spettacolari della prima opera; "Trionfo di Afrodite" (1953), "concerto scenico" in parte su testo di Catullo.

Questa raccolta, pubblicata nel 1953, riunisce tre capolavori caratterizzati da una sapiente riorchestrazione di vivaci e efficaci pezzi che, malgrado uno scanzonato uso di sonorità moderne, mantengono il carattere gioviale, e al tempo stesso austero, tipico delle composizioni antiche. Le stesse caratteristiche stilistiche sono riscontrabili in "Der Mond" (1939), "Die Kluge" (1943), "Die Bernauerin" (1947), "Antigone" (1949), "Astutuli", (1953) e "Prometeo", (1968).

Purcell fu dapprima cantore nella Cappella reale, iniziando contemporaneamente la sua attività di compositore di musica sacra e di pezzi vocali di vario genere. Fu compositore per i violini de re dal 1677, poi dal 1679 fu organista nell’Abbazia di Westminster, e dal 1682 organista della Cappella reale, acquisendo contemporaneamente grande fama come compositore.

Dal 1683 fu conservatore degli strumenti del re, e visse gli ultimi anni di vita circondato dalla più viva ammirazione dei contemporanei, scrivendo per ogni occasione, dal teatro alla chiesa, per i privati e per le grandi festività. Esattamente come per Mozart e per Schubert, negli ultimi anni di vita fu preso da un febbrile necessità di comporre, come se egli avesse intuito l’immanente fine della sua esistenza.

Nella produzione di Purcell il posto più importante è senza dubbio occupato dagli anthems; ma sia chiaro che tutta la sua produzione (notevolissima) appartiene alle più alte vette della capacità espressiva di tutti i tempi.

Tutto quello che egli scrisse è di altissima intonazione artistica e creativa, e, in alcuni generi tipici dell’epoca, la sua produzione risulta assolutamente imbattibile. Per esempio, come autore di canzoni fu impareggiabile, ma anche nella scrittura per complessi di viole (formazione assai usata all’epoca) risulta essere eccellente.

Formatosi nell’ambiente di corte, ne assimila tutte le caratteristiche, e le traduce elegantemente in musica; il tutto in soli 36 anni di esistenza. Si dovrà attendere sino a Haendel (naturalizzato inglese) per avere un’altra personalità così forte nel mondo inglese.

Quantz fu compositore, flautista e teorico musicale; prima di diventare il più grande virtuoso di flauto della sua epoca, imparò a suonare tutti gli strumenti di un’orchestra.

Studiò composizione con Fux, e dal 1724 fu a Roma; fu poi a Napoli, dove studiò con A. Scarlatti, Hasse e Mancini; a Venezia conobbe Vivaldi, B. Marcello e Albinoni.

Trasferitosi a Parigi e Londra vi ottenne successi incredibili; nel 1728 fu primo flautista alla Cappella di Dresda; in seguito conobbe Federico II di Prussia, al quale impartì lezioni di flauto, seguendolo in innumerevoli viaggi; dal 1741 sino alla morte fu alla corte prussiana.

Quantz pubblicò in vita un numero assai esiguo di composizioni, ma lasciò una mole impressionante di manoscritti – sempre per tale strumento – dedicati a Federico II; lasciò 296 concerti per uno o due flauti e orchestra, circa 200 sonate con basso continuo e molti trii e quartetti.

Se è vero che l’estetica delle opere di Quantz risulta essere pesantemente influenzata da quella di Vivaldi, senza però arrivare allo stesso risultato sul piano artistico, è anche vero che egli apportò importanti modifiche allo strumento, e lo portò a rango di strumento solista all’interno delle orchestre (per la prima volta nella storia della musica), scrivendo anche numerosi trattati per il suo strumento.